Fue en un concierto de Sex Pistols, en donde Ian Curtis se encontró con sus compañeros del colegio Bernard Sumner y Peter Hook, quienes en aquel entonces eran aspirantes a banda Punk y con una erudición relativamente limitada. Curtis, ya casado, y con un modesto empleo, les dice a los chicos que está a disposición por si quieren probar un vocalista, pocos días después el grupo, que entonces se llamaba Warsaw, no sólo contaba con la voz de Curtis sino también con la poesía existencial reflejada en sus letras. Tiempo después, y por razones que aun se desconocen, el grupo “Warsaw” estaba intentando un nombre diferente: “Joy Division.” Comienza una historia de vida efímera, mas después de todo, legendaria.
A finales de los 70, cuando la explosión “Bigbanezca” del Punk comenzaba a atenuarse las bandas que intentaban no desaparecer, parecían padecer un ensombrecimiento y una densificación en su estructura musical, logrando que la furia rebelde y anarquista del punk, entrara en el letargo laberíntico del existencialismo.
El film “Control” dirigido por el reconocido, fotógrafo y director de video-clips Anton Corbijn, ilustra una historia (real) que se desarrolla en esta época grisácea, del Manchester de finales de los años 70. Y no necesariamente porque el filme sea a blanco y negro, aunque este aspecto ayude a contextualizar al espectador.
Muchos se han preguntado la razón del suicidio de Curtis cuando su banda estaba a punto de desafiar la gloria con una prometedora gira a Norteamérica, la cual seguramente los sacaría del subterráneo, sin embargo, una vez ya inmerso el espectador dentro de la atmósfera del filme, la banda y su fama parecen ocupar un plano tan supérfluo la cual el mismo Curtis parece ir abandonando paulatinamente, pues ha fracasado en su vida matrimonial, y es un problema con el que no sabrá convivir, ni siquiera siendo una estrella de rock consagrada.
"El peor álbum del grupo en todos los tiempos", claro, según los mismos miembros de la banda, sin embargo los fanáticos siempre lo han apreciado como una brecha que definió el horizonte y la identidad de la misma. Son muchas las versiones que justifican la salida del lider de la banda Vince Clarke, después de la publicación, promoción y gira de su primer álbum "Speak and Spell" (1981). Algunos sustentan que él no quiso que los productores manipularan su creatividad ya que su misión con Depecheera la exploración del sonido de los sintetizadores y llevarlos al más alto nivel, algo que entre otras cosas suena paradójico ya que su talento creativo le daba a la banda un trasfondo más bien groovy que hacían verlos como un grupito más de Neo-románticos que aparecieron en la escena para implantar modas, enanamorar quinceañeras y enloquecer a la juventud en las discotecas con sus melodías afables, sintéticas y pegajosas. Otros afirman que lo que produjo dicha ruptura fue el choque de egos entre el mismo Clarke y el 2do en la línea de mando: Martin Lee Gore, quien a sabiendas de que era Clarke el compositor principal, éste contribuyó también con composiciones para el álbum aportando canciones que dejaban adivinar una visión más pesimista, sórdida y profunda del mundo. Los otros 2 miembros (Dave Gahan y Andrew Fletcher), se inclinaron más hacia el ingenio de Gore, llegando incluso a rechazar las composiciones de aquel quien los reunió para formar una banda, pues bien asi fue como el lider se convirtió en desertor. Esto amenazaba el futuro prometedor de the Basildon lads debido a que ninguno de ellos era músico formado en academia, sólo actitud y voluntad. Así que publicaron un aviso en The Melody Maker solicitando un experto en teclados, llamado que fue respondido por todo un académico de la música y el sonido: "Alan Wilder" quien si bien era superior a sus nuevos compañeros en dominio de instrumentos musicales, prefirió mantener un bajo perfil y trabajando tras bambalinas para hacer evolucionar el sonido de la banda en algo más portentoso. Wilder aportó ideas para el sonido del 2do álbum de Depeche, sin embargo estas fueron dejadas en el tintero, pues más tarde, para el otro álbum empezarían a tenerse en cuenta, Gore, Gahan y Fletch estaban en realidad probándose a sí mismos, buscando concebir una obra que sería la auténtica definición de la banda, el paradigma, el resultado: "A Broken Frame". El sonido del álbum no distaba demasiado a el de su album antecesor, sin embargo a nivel de líricas y armonía, el álbum mostraba esa vena oscura, de letras melancólicas y descarnadas que fueron la marca registrada de Martin L. Gore, quien desde ese entonces hasta nuestros días es el compositor principal de la banda. Como decía antes, los Depeche siempre renegaron de este álbum, no obstante, de la tanda de álbums que se editaron en el período de 1981 hasta 1985, (Período de 4 exitosos álbums), ABroken Frame es quien tiene más rasgos familiares a los álbums que se publicaron posteriormente al año 86, álbums exitosos que consagraron a la banda como fenómeno de masas, y su común denominador, las letras profundas que hablan de lujuria, amores tormentosos, soledad y odio y una que otra blasfemia.
A continuación un video en vivo de una canción que pertenece a éste álbum, la cual es considerada como la peor canción que el grupo grabó jamás, sin embargo yo la veo como una pieza con un extraño ritmito reggae que en vez de desconcertarme, hace que la aprecie como pieza exótica y paradójicamente mi favorita del álbum. Además de las letras traducidas para que alcancen a ver el paradójico contraste de una canción que parece alegre y su letra diatríbica: "Satellite".
SATÉLITE
Ahora, escuchen ésto mis amigos Nunca más seré el mismo nuevamente Voy a verme a mi mismo en un cuarto negro Voy a volverme sombra en un velo de tinieblas Funcionaré, operaré Seré un satélite de odio Conducido hasta este punto por una cadena de eventos Cada uno me empujó más cerca del borde Voy a enviar mi mensaje a través tuyo Y tú recibirás la señal también Funcionaré, operaréSeré un satélite de odio Más alto Desilusionado, fui desencantado Olvidé el amor que había sido implantado Escuché las mentiras y sentí el frío Rompió mi corazón y perdí el control Ahora soy un satélite de libre estado Soy un satélite de odio Un satélite de odio
Esta etiqueta, en la que me pongo a hablar de los títulos disponibles en mi colección de CDs, siempre he procurado darle lugar sólamente a todas esas placas, para las cuales me he tomado la molestia de ahorrar y pagar una importante cantidad de dinero en alguna eventual discotienda (Lugares que hoy día escasean en esta ciudad, templo del reggaeton y de la música pirata). Sin embargo, en esta ocasión haré una excepción, no porque me haya vuelto amigo de la pirateria y el no pago a los derechos del artista, sino por el valor cultural e histórico de las obra como tal. Pues todos los que hemos indagado acerca de la discografía de Depeche Mode, sabemos que éste título no corresponde a su discografía oficial, y a veces lo inédito tiene mucho más valor que lo oficial, aunque en este caso para mí el valor es más sentimental ya que sólo invertí 1000 pesos para el CD virgen porque ni el tiempo que me demoré bajándolo del internet me costó plata.
Haré de cuenta que ustedes, posibles lectores de este post, ya conocen algo de Depeche Mode, al menos Personal Jesus, que es la canción más conocida por los más ñoños que apenas conocen sobre rock.
La pre-historia de Depeche Mode, data de finales de los 70s, donde Vince Clarke y Andrew Fletcher garrapateaban acordes de guitarra con el fín de lograr algo con su grupete "No romances in china", tal como algunos "Don nadies" lo hicieron durante el apogeo del Punk. Sin embargo dicho sub-género pasó como moda pasajera.
Los sintetizadoresiban poniéndosecada vez más de moda dentro de la escena musical amateur de la Gran Bretaña, pues eso implicaba no tener una formación musical muy prolífica, para lograr hacer melodías muy coloridas, pegajosas con las mismas armonías de 2, 3 acordes, que eran la tendencia de una tonada punk. Sabemos que ese no fue el origen del Synth-pop, ya que los alemanes lo habían sacado a flote más de diez años atrás con los maestros de la música computarizada Kraftwerk, quienes fueron una influencia notable para artistas Post Punk tales como The Human League, Ultravox yNew Order. Fueron muchos los grupos punk que colgaron sus guitarras y guardaron sus baterías para reemplazarlos por aparatos MOOG y secuenciadores (Por ese entonces) análogos. No-Romances in china fue uno de esos grupos.
Ya con un tercer miembro a bordo (Martin L. Gore), La banda de Clarke, pasó a llamarse Composition of sound. Y llegaron a grabar algunos demos que dejaban entrever la tendencia creativa de Clarke: Canciones que aunque no pretendieran serlo, tenían su estribillo y ritmito pegajoso. Entre estas canciones se pueden citar: T.V. Set, I like it, The Price of love, y Reason Man, piesas techno, que a diferencia de las de sus antecesores alemanes (Kraftwerk) , tenían un aire más juvenil y una tendencia hacia el sonido comercial, aunque ésto último era algo que frustraba a Clarke ya que su espiritu creativo siempre buscó ser independiente.
Las presentaciones de Composition of sound, eran tan frías como la misma tecnología de su música, y el público los miraba más como propuesta artesanal que artística. Clarke comenzó a sentirse incómodo cantrando sus propias letras, quería saber si la poca acogida de su música se debía a la baja calidad de sus composiciones o porque definitivamente él como Front man de una banda no era lo suficientemente carismático para lograr esa química con la audiencia.
Una vez los tres chicos tuvieron que cambiar su lugar de ensayos debido a que la mamá de Clarke ya no soportaba el ruido enfermo de esos aparatejos, fue así como ellos lograron separar un espacio en uno de los salones de la parroquia cercana, donde conocieron a un chico (David Gahan) que también acudía al lugar para cantar canciones de David Bowie. La voz del muchacho encantó a Clarke y al resto del grupo, así que le propusieron unirse a la banda, propuesta que el joven Gahan aceptó de inmediato. Sin embargo a Gahan el nombre de la banda le parecía un poco tonto, así que el propuso un nombre que él sacó de una revista francesa de alta costura: Depêche Mode.
Con Gahan en el escenario, el público (En especial el femenino) incrementó, tenía el carisma y los movimientos de baile ideales para conectar y enamorar al público. Y fue así como dentro de su escena local se fueron dando a conocer hasta el punto de tener la oportunidad de grabar su primer sencillo: Photographic, que también sería incluido en su primera placa de 1981: "Speak and Spell", donde también brillaron canciones como "Just can´t get Enough", una de las más emblemáticas del grupo al lado de Strangelove y Personal Jesus.
Speak and Spell tuvo un éxito superior al que se esperaba, y ya la industria musical comenzaba a condicionar a la banda, trás lo cual su lider y compositor, Vince Clarke abandonaría, para luego ser tomada por Martin Gore, quien con Alan Wilder como refuerzo posterior de la banda, harían de Depeche Mode un fenómeno de masas.
El título reseñado es un miniconcierto, en el que se nota una audiencia poco numerosa, deficiencias de sonido que incluso son corregidas durante el mismo show, contiene canciones del álbum Speak and Spell y otras de la época de Composition of sound.
01. T.V. Set 02. Dreaming Of Me 03. Bif Muff 04. New Life 05. Boys Say Go! 06. Tora! Tora! Tora! 07. The Price Of Love 08. Just Can't Get Enough 09. Photographic Si quieres bajarlo entra a: http://www.modenation.com.ar
A continuación un video de esta etapa de Depeche, el single que los dio a conocer: PHOTOGRAPHIC.
En 1982 Paddy McAloon (Voz y guitarra) y su hermano Martin (bajo) al lado del baterista Michael Salmon emprendieron su aventura en búsqueda no de conquistar el mundo aprovechando la gran oleada británica que ya se iba imponiendo en la escena mundial de principios de la década sino de conseguir un vehículo de expresión lo suficientemente convincente para evitar morir en el intento de figurar en lo que llaman "Mainstream."
En ese mismo año lanzaron su primer sencillo Lions in My Garden que al lado de Radio Love como B-side se dieron a conocer, mostrando un par de canciones que no diferían demasiado al estilo de las bandas New Wave de la época.
Luego, con Wendy Smith, quien había sido incluida para acompañar a la banda para hacer coros en sus presentaciones en vivo, publican su segundo sencillo: "The devil has all the best tunes" con Walk on como B-side. Con lo cual Mc Aloon muestra que es un compositor diferente y que sus letras pueden plasmar un humor sarcástico que paradójicamente haría que se le tomase en serio.
Graham Lant, el nuevo baterista entra a la banda para grabar la tanda de canciones para lo que iba a ser su primera placa llamada Swoon de 1984, en donde curiosamente los 2 sencillos ya mencionados no fueron incluidos.
Swoon es un álbum que pereciese aislarse de toda pretención de figuración comercial ya que éste no se sujeta a los parámtros de la música comercial de esa época. Canciones impredecibles, con acordes complejos y disonantes y letras sobrecargadas fueron la característica escencial de éste álbum cuyo éxito destacable podemos citar a Cruel, una bella canción con aires nostálgicos y cadencias jazzísticas, las cuales seguirían siendo ejecutadas en intentos posteriores para darle a la banda un sonido más sofisticado.
En 1985, con Neil Conti como nuevo y definitivo baterista, aparece Steve McQueen, título de su segunda placa, la cual en el mercado americano fue llamada "Two wheels good" para evitar pleitos con la descendencia del célebre y ya fallecido actor de Hollywood (Oh, acabo de tener un déjà vu con un Ex-Vengador).
Steve Mc Queen fue la consolidación de los Sprouts como "banda de culto" británica, adorada por el mismo séquito de bandas como Aztec Camera, Deacon Blue, Everything but the girl. Esta vez incluyeron a Thomas Dolby como productor, y éste le dio a la banda un sonido más enfatizado en los teclados, sin buscar eclipsar para nada el poder de ejecución ni subyugar la creatividad de Mc Aloon. En vez de ello fue un complemento ideal, que le daría a la banda un fondo más afable, menos introvertido y a la vez más fuerte, sin limitar perder la escencia del ingenio de McAloon, el cual llegó a ser comparado con compositores de la talla de Elvis Costello y Paul McCartney.
Pese al sonido sofísticado con tendencias retro de Steve McQueen, el álbum no suena demasiado ecléctico, podemos escuchar una rockabilezca Faroon young que abre el álbum así como un pequeño Bossa Nova rematado con una secuencia jazz de cobres en Horsing Around, así como canciones pop que bien pudieron ser grandes éxitos de lista por su atractiva y cuidadosa composición, tales como Bonny, Moving the river, Halelluyah(Mi favorita del álbum), When love breaks down y Appetite, siendo estas dos las más representativas de éste álbum. Que por fortuna, y pese a su calidad, no llevó a los Sprouts a patinar en las resbaladizas superficies del mainstream.
A continuación 2 vídeos de canciones de ésta placa.
The story of the rise of machine and the decline of man, which paradoxically coincided with his discovery of the wheel... And a warning that his brief dominance of this planet will probably end, because man tried to create robot in his own image.
La historia de la rebelión de la máquina y el declive del hombre, el cual paradójicamente coincide con el descubrimiento de la rueda...
Y una advertencia de su breve hegemonía sobre este planeta que probablemente acabará, ya que el hombre creó al robot a su imagen y semejanza.
Ésta es la nota introductoria que encontramos en algunos de los booklets de algunas ediciones del Album" I Robot" del grupo Británico THE ALAN PARSONS PROJECT, una leyenda que para la época sonaría apocalíptica, y hoy día sonaría como una introducción repetitiva de alguna película del estilo de The Terminator.
Pero bueno ¿Qué es "The Alan Parsons Project"?.
Para muchos es una banda clásica de rock progresivo, para otros un grupo de rock ochentero con ínfulas de "New Age" y a ratos "New wave", para algunos melómanos, un simple dúo de genios que convocaba músicos de las bandas (de culto) británicas de la época tales como Ambrosía, 10CC, Steve Harley´s Band, Pilot, etc...
En sus primeros álbums, el Project sonaba a banda sonora de alguna superproducción de la cuál participaban toda clase de músicos, en la que los responsables del mismo sólo estaban ahí para figurar en los créditos. Pero a medida que se fue afianzando, los músicos (Y algunos vocalistas invitados), al parecer contratados a término definido, se fueron apropiando de sus puestos hasta el punto de llegar a convertirse en parte de la indentidad del Project o digamos más bien "miembros oficiales de la banda". pues a eso es a lo que terminaría sonando; a una banda, y no cualquier banda, una Superbanda, como lo fueron en aquella época los Yes, Emerson Lake and Palmer, Supertramp, Genesis, y hasta los mismos Pink Floyd.
La historia del Project inicia en 1974, cuando el joven ingeniero de sonido Alan Parsons, quien ya era un referente de la música de ese entonces por haber contribuído en algunas de las últimas producciones de The Beatles y haberse dado el lujo de figurar detrás de las consolas para el Dark Side of the Moon de Pink Floyd, se le ocurrió la gran idea de aprovechar sus conocimientos de ejecución musical y masterización, para concebir un álbum conceptual sin precedentes. Por aquella época conocería a un ejecutivo escocés lo suficientemente ducho en materia musical (Eric Woolfson), con el cual formó una dupla de producción y composición inigualable.
Su primer intento fue con Tales of Mystery and Imagination (1976) cuyo tema central fueron los cuentos de terror y suspenso de Edgar Allan Poe, una obra magistral, matizada con un Rock sólido, fuerte y rematado con una Suite sinfónica que recuerda los pasajes del cuento The fall of the house of Usher. También hay que destacar de éste, la versión del célebre poema "El Cuervo" (The Raven), que parece extraído de alguna ópera rock moderna.
Éste primer álbum fue algo oscuro, enigmático, y a la vez medio-elitista.
Al año siguiente apareció su segunda placa: I Robot, inspirado en la obra de Isaac Asimov, yel cual propone un sonido más experimental, futurista y que a la vez lo hace un poco denso.
Esta obra inicia con una instrumental plagada de sintetizadores, coros y efectos computarizados que se utilizaban en algunos programas de ciencia ficción de aquellas épocas, acompañada con un pegajoso ritmo funkie, el cual no destruye para nada la oscura admósfera que se vislumbra al escuchar esta pieza. Seguida de I wouldn´t want to be like you, que es una pieza funk-rock, de fácil digestión que fácilmente pudo haber sido un hit de la época. Aunque no todo en el álbum es funk, hay también pasajes nostálgicos, caóticos, rocanroleros, y etéreos, dándole a éste la etiqueta de "Álbum Vanguardista".
Canciones Recomendadas: I Robot, I wouldn´t want to be like you, Some other time, Break down, The Voice, Day after day (The show must go on).
Con más de 10 años coleccionando CD s, se me antoja decir que soy injusto darle acá lugar a mi más reciente adquisición, cuando debería citar por lo menos alguna de todas esas obras maestras, que han ido enriqueciendo mi colección, mi conocimiento en la materia, y por qué no decirlo, marcado e influenciado gran parte de mi vida. Pero bueno, ya habrá tiempo y espacio para los otros artistas.Hablemos de una banda que por muy ignorantes que seamos en materia de bandas Rock, conocemos o al menos hemos oído hablar de ella: U2.He escogido reseñar su placa de 1980 titulada "Boy", primero que todo por ser su placa debut y segundo, porque sabemos de la evolución que ha tenido la banda hasta nuestros días.“Boy” tiene el encanto de ser un álbum enérgico, con iracundos riffs de guitarra, un bajo que procura no pasar desapercibido, llegando a ser casi columna vertebral de las piezas más estructuradas del álbum, una hábil y rampante batería que imprime poderío y fuerza, complementádose así con la voz emblemática de un joven Bono, que le da a cada una de las canciones un sabor a solemnidad.Aunque a algunos les parezca que el U2 de ese entonces sonara a banda de Hard Rock y a otros les suene a esas bandas oscuras del post-punk tipo Joy Division, Siouxsie and the Banshees, “Boy” navega por diversas texturas y uno que otro perfil emocional, producto de ese optimismo y esa energía juvenil, la cual a pesar de ésta, la banda no dejaba de sonar creíble.
Fue en un concierto de Sex Pistols, en donde Ian Curtis se encontró con sus compañeros del colegio Bernard Sumner y Peter Hook, quienes en aquel entonces eran aspirantes a banda Punk y con una erudición relativamente limitada. Curtis, ya casado, y con un modesto empleo, les dice a los chicos que está a disposición por si quieren probar un vocalista, pocos días después el grupo, que entonces se llamaba Warsaw, no sólo contaba con la voz de Curtis sino también con la poesía existencial reflejada en sus letras. Tiempo después, y por razones que aun se desconocen, el grupo “Warsaw” estaba intentando un nombre diferente: “Joy Division.” Comienza una historia de vida efímera, mas después de todo, legendaria.
